José Javier González de la Paz 2008-07-23 20:30:33

Sonido a la vez compacto y armónico. Poética urbana en las letras y reivindicación social. Horas de música y protesta. Ganas, coraje. Juventud y, al mismo tiempo, experiencia en las cuerdas, la percusión y la voz, clara, pero maldita y cascada. En fin, puro rock&roll, aunque permanentemente actualizado, tanto en los ritmos como en la temática y los mensajes.
Los Vitter del Kas son hijos de Vallekas, ese distrito que no cede al liberal-fascismo del P.P., ese distrito que sigue guardando, como un Santo Grial rojo, el corazón de todo Madrid.
Medio siglo después del nacimiento oficial del rock&roll de la mano de Chuck Berry o B.B. King, es decir, la minoría negra marginada en U.S.A. Los Vitter del Kas siguen siendo estandarte de los sectores sociales precarios, tangenciales, olvidados y hasta criminalizados de la sociedad actual.
Los poemas gritados de estos chicos nos hablan de una sociedad voraz que todo lo engulle y todo lo vomita para volver a engullirlo y vomitarlo de nuevo en un acto de digestión eterna a la que nada escapa. Todo debe ser triturado por el monstruo de una forma u otra: por el estómago de la familia, de la policía, por el estómago del Estado, de la Iglesia o de la educación y el trabajo. Nada debe salvarse.
Pero El Pelos (batería), Emilio (voz y armónica), El Fosy (bajista) y Míguel, El Hevo (guitarra), tres currantes de la hostia y un estudiante de último curso de Ciencias Ambientales, que se conocieron hace cinco años en un parque fumando porros, se han rebelado y están devolviendo al rock&roll su dignidad transgresora. Porque el Rock sigue siendo nuestra bandera, la bandera de los movimientos sociales, la bandera del feminismo, la bandera de la autodeterminación, de la autogestión, la bandera de los sin papeles y, sobre todo, la bandera de los sin bandera.
Sus temas preferidos están basados en la lucha contra todo tipo de autoritarismo y contra las leyes prohibicionistas respecto al cannabis. De hecho su estilo de música lo han bautizado como “Rock Cannábico”.
Son Los Vitter del Kas, el corazón rojo del Rock&Roll ¡Viva el Rock&Roll! ¡Viva Los Vitter del Kas!

Para contactar con el grupo:650 756 336.

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La Meca vive ahora uno de sus máximos períodos de esplendor creativo, muy a pesar de la opinión mezquina y chauvinista de cierta crítica nacional, alienada por el viejo discursillo apocalíptico de la vieja izquierda caviar, según la cual, Hollywood atraviesa por una larga noche de perdición y decadencia imperial románica.Pero nada más falso.

En realidad, la industria goza no sólo de buena salud económica sino de una envidiable recuperación artística, producto de la asimilación pragmática de una nueva generación de narradores, libretistas y realizadores, a la vanguardia de la estética mundial.

De hecho, Cahiers Du Cinema compara el fenómeno con la última época dorada de la filmografía mainstream, la de los años setenta, cuando los moteros tranquilos y los padrinos de la contracultural tomaron por asalto el cielo de los estudios.

Así, George Clonney vendría ser el Alan Pakula del tercer milenio, al redescubrir el camino de la conspiración política de la era watergate pero desde el enfoque del progresismo demócrata surgido a la luz del once de septiembre, una fecha crucial para delimitar un punto de inflexión en la historia audiovisual del siglo XXI. Sin ningún problema, ya se puede hablar con confianza de un antes y un después de la caída de las dos torres en el cine americano. 

En el mismo sentido, puede entenderse la integración del anarquismo gráfico de Alan Moore, por parte de Warner, la casa de otro par de monstruos posmodernos en plena fase de madurez, Christopher Nolan y Andy Wachowsky, ambos abocados a la tarea de conseguir salidas alternativas al estancamiento del lenguaje tradicional a través de la experimentación con los formatos digitales. 

El primero es responsable de la mejor película de superhéroes hasta la fecha, Dark Night, de la cual hablaremos con detenimiento la semana de arriba. El segundo es, junto con su hermana Lana, el verdadero autor de V de Vendetta y el propulsor de la genial e incomprendida, Meteoro, una curiosa película infantil con un subtexto de alto contenido subversivo.

De igual modo, funcionaron los aportes de la Marvel al filón de los comics adaptados, en virtud de las estupendas Iron Man y Hulk, aunque la del hombre de hierro supera con creces a la franquicia del gigante verde, gracias a la personal contribución del resucitado y no por casualidad reivindicado, Robert Downey Jr., cuyo segundo aire es un perfecto indicador de los tiempos que corren. Por algo, su imagen acompaña, de manera icónica e irónica, el brillante desempeño de David Fincher en la obra maestra, Zodiac, capaz de definir la naturaleza conceptual de la época dorada en curso, donde también sobresalen títulos emblemáticos como los de “300”, “Children of Men”, “I Am a Legend”, “Hancock”, “El Asesinato de Jesse James” y hasta el “Super Agente 86”, elogiadas por traer de vuelta la sabia clásica de los géneros al servicio de los intereses de los productores, sin ofender la inteligencia del espectador y sin renunciar a la búsqueda de diferentes vías de expresión para proyectar el mensaje de los guiones. Por ejemplo, aquí cabe destacar el trabajo de Batman con la resolución IMAX y el compromiso de Michael Mann con la metodología paradocumental, a la gloria del HDV. 

Naturalmente, no todo es color de rosas en la taquilla contemporánea, y la parte del león siempre se la terminará llevando lo peorcito de la fábrica de sueños.Verbigracia, el reciclaje estéril y conservador de “Sex And The City”.

Con todo, las voces pesimistas pueden ser fácilmente acalladas ante la irrupción de gemas incontestables y trascendentes como Wall-E, soberbio largometraje de choque y el posible equivalente animado de la mítica “2001”. Es decir, la cúspide formal de la Pixar y una de las grandes cintas de la era post Disney.Su inminente llegada a la cartelera permitirá comprobar nuestra tesis, al rebasar la ya estimable marca de “Ratatouille”.

Así pues, Hollywood parece renacer de sus escombros y mantenerse con vida, frente a los desafíos mediáticos en boga: las tecnologías de punta, la piratería, el I-Phone, el efecto de las pantallas planas y la emergencia de youtube.

Como siempre, la palabra final la tendrán los especialistas en la materia, los teóricos y los perceptores de la audiencia. Ellos decidirán el futuro de la meca, bajo las presiones intelectuales de costumbre en el mercado de consumo.

El resto lo proponen, lo refutan y lo escriben ustedes, amigos lectores.  

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A continuación, publicamos un artículo inédito de una periodista renegada y excomulgada de los grandes medios de comunicación privados y públicos. Hoy en día, nadie quiere, ni se atreve a darle espacio a los sesudos trabajos analíticos de Ximena. Paradójicamente, en el pasado fue una consentida de las revistas y periódicos de mayor circulación, donde la acogieron por su inteligencia, hasta cuando comenzó a tocar intereses editoriales con sus polémicos escritos. Desde entonces, cayó en la mala de los comités de redacción en el país, al extremo de ser condenada a la exclusión y el anonimato forzado. Luego de meses de marginación, ahora regresa a la opinión pública para dar la pelea con otro artículo censurado por la prensa mainstream, a pesar de su rigor científico.Por fortuna, existe panfletonegro para hacerle justicia a las investigaciones de Ximena, quien nos trae una oportuna deconstrucción de la revista Todo en Domingo, después de conocerla desde adentro. Disfruten entonces de su vena combativa y de su feminismo demoledor.

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Discutamos

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Objetivos: desenmascararlos, atendiendo a su desvergonzada fiesta de disfraces; pescarlos, atendiendo a su naturaleza de seres acuáticos.

Método: cita y comentario.

* * *

“El Salmón quiere ser un territorio para la (re)lectura atenta de la palabra poética que nos precede, la nunca reeditada, la editada, la inédita y la que reflexiona en torno a todas ellas. Más que pretender crear un terreno nuevo, pensamos que hace falta resucitarlo, librarlo del vacío que se le ha ido acumulando encima. Así, quisiéramos ser rescatistas más que pioneros, recreadores más que inventores, reconocedores más que descubridores. Apostamos por remontar la corriente de nuestra tradición poética, por gusto, por saber dónde estamos y hacia dónde debemos (o pudiéramos) ir. Aún queda mucha agua por recorrer, pero ya no se hará en silencio”.

Analicemos (es decir, etimológicamente: partamos en pedazos) esta presentación de nuestros jóvenes poetas:

El Salmón quiere ser un territorio para la (re)lectura atenta de la palabra poética que nos precede, la nunca reeditada, la editada, la inédita y la que reflexiona en torno a todas ellas.

Hay un pescado y un territorio. El pescado quiere ser el territorio. El territorio está para releer con atención una palabra que estaba antes. Es como, digamos, el pescado convertido en Parque del Este. Allí alguien, el pescado, u otros, van a releer, incluso lo inédito. Ellos no han visto lo inédito, pero aún así lo volverán a leer.

Más que pretender crear un terreno nuevo, pensamos que hace falta resucitarlo, librarlo del vacío que se le ha ido acumulando encima.

El pescado se había transformado en territorio, pero éste no es nuevo. Ahora hablan varios, unos que pretenden resucitar el terreno. El pescado salió convertido en terreno muerto. Los que hablan dirán al terreno: “Levántate y anda”, y éste saldrá corriendo. Entonces ellos lo perseguirán para librarlo del vacío que se le ha ido acumulando encima. Pues el terreno antes muerto y ahora resucitado estaba cubierto, como de una capa de polvo, de vacío. El vacío lo tenía encima. No se olvide esto, pues es muy importante. Es lo que se llama en poesía objeto insólito, en este caso un vacío, que tampoco es propiamente un objeto. Un vacío grávido.

Un programa de radió los invitó. Así sus labios pudieron rozar el rígido tubo del micrófono, y su cabeza. Llamaron a la invitación acto de justicia y resucitación. Volvieron a la vida en pos del micrófono.

Así, quisiéramos ser rescatistas más que pioneros, recreadores más que inventores, reconocedores más que descubridores.

Los resucitadores son rescatistas, recreadores y reconocedores. Todo lo que son se lo deben al prefijo re-, igual que la corporación Relectura. Es el prefijo de la repetición. Son más de lo mismo. ¿Y qué es lo mismo? Falsificación, impostura, vanidad. Los editores han ganado premios pero dan pruebas a cada renglón de mediocridad literaria. ¿Qué sucede? ¿En qué mundo estamos? ¿Por qué carajos yo no salgo de mi anonimato cobarde? ¿Es que esos ineducados protagónicos pueden influir en mi destino? ¿Van a seguir ahí, tan orondos, con el micrófono en la boca hablando de lo que no conocen? El otro día, en la sala E, oímos todos, en medio de sus lagunas afásicas, unos auténticos rebuznos. Era como oír a unas burras en un lago, unas burras mojadas.

Apostamos por remontar la corriente de nuestra tradición poética, por gusto, por saber dónde estamos y hacia dónde debemos (o pudiéramos) ir.

Apuestan, como si estuvieran en un garito, al salmón, que remontará la corriente. Pagan por lo seguro porque la especialidad de dicho pez es ascender por el río, contra todo obstáculo. Es el símbolo de los arribistas. Así declaran ellos su verdadera naturaleza. Se han dado el nombre apropiado. Si lo escogieron a propósito, son unos cínicos; si no, son unos torpes. ¡Enorme problema el de averiguar si es mayor su malicia o su incultura! “Dónde estamos y hacia dónde vamos” es una coordinación fenomenal, original. Yo nunca la había leído en libros ni oído en la calle. Es el momento más novedoso del texto.

Aún queda mucha agua por recorrer, pero ya no se hará en silencio.

Son los salmones dando alaridos mientras nadan aguas arriba. Su ascenso consiste, fundamentalmente, en hacer bulla.

Otros aspectos: véase: www.revistadepoesiaelsalmon.blogspot.com

Conclusiones: sáquenlas ustedes.

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Hay que admitir que ¡Grandes Éxitos! es un excelente título. El sarcasmo inmediatamente te pone en sintonía con lo que vas a escuchar (Lo que sigue no va tan en serio ¿O si?) y de paso, explica la desconexión entre los temas: Estos son nuestros grandes éxitos, lo que a la gente le gustó en los toques.

Esa selección, aparentemente azarosa, no lo es. Los cuatro primeros tracks evidentemente fueron colocados allí para arman un tren desbocado, un lineup demoledor. La sólida sección rítmica, creada por Eduardo Sáez y Miguel Pepe, sirven la base perfecta para los histrionismos de Emile Makhlouf en la voz y Federico Capocci en la guitarra.

Aunque el estilo admite algunos lugares comunes, afortunadamente los integrantes de Electrocirkus no abusan del recurso. La arrolladora inercia del disco oculta sus escasas fallas. Es probable que a algunos no les guste a la primera. Pruébenlo en el carro, a 120, y luego hablamos.

Ah-ah:

MySpace

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Dos caras. El primer tema de cada una es el leitmotif, sumariza el sonido de esa cara. El segundo, es la mejor apuesta, la canción que hace voltear el cassette. El último track se llama Despedida. Caracas se quema, de Autopista Sur, es un disco Pop premeditado.

En un ecosistema en el que todas las bandas tratan de rimar a toda costa, es refrescante encontrarse con:

Ya las sombras indican que el sol se marchó
los leones de noche no tienen color.

y

A pesar de todos los gobiernos
nunca dejaría esta ciudad.

Con una tendencia hacia las líneas melódicas de Built To Spill y Modest Mouse, Kuámasi González y Hensli Rahn, ambos vocalistas y guitarristas, no escatiman en la onomatopeya y conjuran pegajosas cápsulas regulares de tres minutos. Las letras inteligentes, la casi total ausencia de lugares comunes, dos menciones de Caracas y algunos intentos poéticos, transforman lo que podría ser una colección de crowdpleasers, en una línea argumental. Un fenómeno rarísimo en medio de nuestro escapismo.

Autopista Sur, con sus letras tralalá, pareciera tener el potencial para convertirse en el delirio de las chicas, en un placer culposo, y en el grupo que los rockeros odian. Algunas personas en la banda –o en la producción– saben lo que están haciendo.

Caracas se quema:

MySpace

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Los Telecaster tocan en todas partes y cada rato. Esta semana estrenan su primer disco, el cual, siguiendo el espíritu de los tiempos, también puede bajarse. La semana que viene se van a México, apoyadísimos por MySpace.

El sonido es mucho surf, con un poco de garaje. Las letras son urgentes, a veces divertidas.

Queda claro que traducir a disco lo que es esencialmente una banda en vivo es complicado. La producción de Fan Zinatra lamentablemente falla en capturar la energía del grupo y deja en evidencia sus principales defectos: la calidad del vocalista y las incoherencias sintácticas de las letras. Detalles ambos que resultarían insignificantes en una presentación en vivo, un disco con otra producción… o en 1966.

A pesar de lo dicho, rescato Anguila y Complejo de Persecución, ambos ofrecen la propuesta de una dirección. De lejos los dos temas (¿mejor?) pensados del disco.

Complejo de persecución:

MySpace

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Technorati Tags: Autopista Sur, Electrocirkus, Los Telecasters

La “Historia de Un Encargo” de Gustavo Guerrero acaba de llegar a Caracas en el momento y la hora indicada, cuando las relaciones carnales entre arte y poder rozan el límite de la impunidad, al evocar el tristemente célebre y patético caso de Camilo José Cela durante su pasantía por tierras venezolanas con el objetivo ominoso de escribir una novela al servicio de Marcos Pérez Jiménez, para contrarrestar la influencia de “Doña Bárbara” en la región y estrechar lazos de sangre con Francisco Franco,el oscuro patroncito del reconocido narrador gallego.

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            Las circunstancias que me llevaron a verla fueron de lo más ordinarias. Yo, de noche, sentado, con un control en la mano. Estaba en un canal latino de bajo presupuesto (bajísimo, si hay que ser realistas) que usualmente no pasa buenas películas. Pero anoche no. Anoche estaban dando Sangre. No sabía qué era, ni de qué se trataba y la verdad era que no importaba demasiado, estaba tan cansado y la noche tan avanzada que la habría visto de todos modos, aunque la juzgara terrible desde un principio. La juzgué inocente, una película más de crimen, quizás; el título ya habla por sí solo. Mas debí haberla juzgado, verdaderamente, como terrible. Pero terrible como el cambio, nunca como algo malo. Con el avance del film me di cuenta de que no había más crimen que el que sufriera un padre, muerto en una situación sospechosa mientras los dos protagonistas eran niños, sus hijos. La madre es quien sufre la muerte. Los niños sólo la metaforizan. Eso hace Martín con sus películas: metaforizar la muerte de su padre. Con sangre.

            Pero el film no trata de eso; el trabajo de Martín y el de Nicolás, su hermano, son adornos de la historia. Todo es un gran adorno para llegar al final. La madre enferma. Nicolás solo, con ella. Martín solo, y lejos. Es una soledad inexorable que se respira a lo largo de toda la película, una soledad demasiado real para poder ser llevada al celuloide pero que, sin embargo, logra expresarse con una naturalidad pesada, que cae como un yunque sobre la realidad del espectador. Así me cayó a mí, doliéndome pero sin poder levantarme, presionando mi abdomen, inmovilizándome en mi silla. Por más que quisiera librarme de ese peso tan terrible no tenía fuerzas para levantar ese yunque. Y, aunque lo lograra, me encontraría luego aprisionado por otro más cercano a mí: mi propia soledad. Ese yunque de la película no provocó ningún trauma sino una catarsis desprevenida, desesperada, que me llevó a materializarlo sobre mí. Transportarlo de la pantalla a mi costado. Los tres personajes se sienten solos cuando no hay nadie alrededor, pero cuando están los tres juntos la soledad se disfraza de otra cosa. El agente extraño aquí es la madre moribunda, abnegada hasta la muerte, dispuesta a sacrificar su salud por el bienestar de sus hijos, especialmente el de Nicolás quien vive con ella mientras Martín está de viaje filmando su película. Ella destruye el sentimiento de soledad de sus hijos, pero procurando siempre dejar el germen de la emoción intacto, para que pueda renacer y llevarlos de nuevo a sus brazos. La madre controla la soledad de sus hijos. Pero la cercanía de la muerte, la seguridad de su llegada, es demasiado grande; la madre no puede dejar el germen vivo en sus hijos, esta vez debe destruirlo por completo. Es esa soledad que no se acaba nunca, y que sólo puede decorarse, disfrazarse. Es la soledad de nuestros días, más sola que nunca. Y es ella, abrasadora, apesadumbrada, la que nos humedece los ojos. Ella está en ese desierto hundido en brisas bestiales, en donde el hombre se quita la chaqueta… y la lanza al aire… la camisa… y la lanza también… y en donde encuentra una piedra, sola, como él, como yo, como tú… y la lanza… y la persigue… y se pierde corriendo en el desierto de los vientos feroces.

            Nicolás está solo, sin novia, sin amigos… con su madre. Martín está solo, lejos, sin su familia… con el fantasma de su padre. La madre está sola, con su tos, sus pastillas, sus gotas, sus vasos de agua, su Nicolás, su espera por Martín y por la muerte. Pero no es la soledad el tema de la película, es mucho más profundo.

            ¿Es la familia? Es, quizá, la imposibilidad de escapar de ella. Martín regresa a su casa, llega al tono de un piano a dueto: son Nicolás y la madre. El primero llora, la segunda tose, pero ambos tocan. Yo mismo sacrifiqué una noche con mi familia para quedarme vagando en mi casa, viendo este tipo de películas, sólo para darme cuenta de que esos momentos son insacrificables. Pero la paradoja está en que si no hubiera sacrificado esa noche, nunca me habría dado cuenta de esa verdad. La decisión fatídica fue, aparentemente, la conciencia antes que la ignorancia. La única manera de escapar del peso de ese yunque solitario, aunque sea por un instante, es la familia. Es la Sangre.

            Pero la familia es un pequeño tema del film, no lo es todo. Lo mismo ocurre con la muerte. Aparece en las metáforas y se quita la máscara en el final, cuando muere la madre, cuando desaparece su cuarto, cuando llora el gato en la nueva casa de Nicolás. La muerte une antes de destruir. Pero aquélla siempre precede a ésta otra: la unión a la destrucción. No hay escape. La muerte está siempre desnuda, a pesar de lo mucho que tratara Martín de embellecerla, de pintarla de blanco. Y la muerte de la madre lo es todo para el desenlace de la historia, sólo ella podía definir el verdadero tema del film, que va más allá de la soledad y de la familia, e incluso del arte en sí mismo.

            «Quiero hacer una película de amor» le dice Martín a su hermano. Ése es el tema. El amor. Nunca se ha tratado de otra cosa. Sangre es una película de amor. Bien no haya un galán, o mujeres en busca de sexo y marido, el amor de Sangre es uno mucho más puro y más simple. Es un triángulo amoroso que suelta agudas notas fraternales, cada golpe es la reafirmación del amor de sangre, uno del que no puede huirse. Ningún adulterio puede romper este amor, ninguna relación a distancia, ninguna «otra mujer». Para bien o para mal, uno no se puede divorciar de su hermano, o anular la relación madre-hijo. Eso es amor. Esa cárcel de máxima seguridad donde uno no puede fugarse por más que lo intente. Si uno se da cuenta a tiempo puede que llegue a disfrutarlo, pero si no sólo lo padece. Es ese amor el que destruye al germen de la soledad que la madre avivaba, él (el amor) reúne a Martín y a Nicolás caminando por el parque, sonriendo. Qué fuerte. Qué simple. Qué puro. El amor de Sangre.

            Pero es la verosimilitud, la realidad de todo el film la que hace que sea tan fuerte, tan simple y tan puro. No importa si la historia fue totalmente inventada, fruto de la imaginación de los escritores y del director: la historia es siempre real. Las angustias de los personajes, sus sentimientos, sus palabras…los abrazos y los besos. Todo es real. Muchos dicen que las películas no son confiables, que nos pintan realidades fantásticas. Se niegan a aceptar realidades tan verdaderas como la soledad terrible de los hombres de hoy, la muerte innegable y el amor fraternal. Es la realidad la que materializa el yunque, la que resucita al germen, la que hace correr la sangre. Sólo ese tipo de películas, las verdaderas, son las que nos hacen crecer a pesar de nuestra soledad, de la muerte y del amor. Las que nos hacen madurar hacia un nuevo nivel, que nos derrumban nuestros principios y los arreglan con cemento nuevo. Madurar de golpe. De golpe. Siempre de golpe. La evolución paulatina no enseña nada aparte de la rutina y la perseverancia. Los cambios drásticos son los que nos dibujan los verdaderos temas de nuestra vida. A pincelazos. Los golpes, los retos, son manchas imprescindibles en el lienzo de nuestra vida. Y sólo ese puntillismo brutal es el que nos permite aprender las cosas que son verdaderamente importantes. No sería nada de nosotros en un mundo pasivo, sin golpes, sin retos, sin pincelazos. La paz es el disparo suicida de la humanidad, que nos estanca en lo común, en lo correcto, en lo bueno, en lo justo. Estancados estaríamos, sin los valores que sólo pueden ser aprendidos de golpe. La soledad. La muerte. El amor.

            Yo mismo me veo muchísimo en Martín, en su eterna búsqueda de inspiración y de la verdad en sitios inhóspitos, en su necesidad de metaforizar esa verdad que cree haber encontrado. De golpe. Yo me veo demasiado en Nicolás, solo, abnegado al cuidado de su madre como ella lo estuvo para el suyo, creándose mundos para escapar de la realidad y del recuerdo fantasmal de un pasado que no llegó a conocer más allá de los cuentos que le echaban. De golpe. Yo me veo más de lo saludable en la madre, esperando combatir la soledad mortecina con las extensiones de su cuerpo, sus hijos; esperando el esputo seco que se anuncia en su tos. De golpe. Esperando la soledad, la muerte y el amor, que sólo pueden llegar de golpe.

Rodny Valbuena Toba,

10 de julio de 2008

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Señoras y señores:
El Ministerio de entretenimiento popular tiene el placer de presentar su nuevo deporte extremo. Practicable por todos, niños, adultos y viejos se divertirán por igual con este ersatz criollo de Grand theft auto (traido para ustedes por EA Games, entretenimiento arepa, S.A).

Después del gran éxito crítico y comercial de nuestro juego, “driving in Caracas” y “Driving in Caracas reloaded: La lluvia challenge”, nos complacemos en ofrecerles el deporte más extremo de todos, el parcours venezolano. No apto para cardíacos.

Nivel 1: Cultural caminata
Recorrido: La florida - Nivel trasnocho cultural
Venezuelan Gamer empieza a descender hacia Chacaíto, donde enfrentará el primer reto de este nivel. El comienzo es relativamente fácil, bueno para que Gamer aprenda a manipular su muñeco virtual (controles arriba-abajo y botones “x” + “y”). Obstáculos: Charcos, alcantarillas sin tapa, motorizados y dosis de smog como para asfixiar a un atleta. Poner atención en la pantalla “liberator street”, donde burro-bus intentará matarte de enfisema con una nube tóxica mientras cruzas la calle.

2da etapa: Moto-taxi temptation
Gamer deberá poner especial atención en la pantalla-bonus a nivel de Chacaíto. De haber logrado encontrar el cajero escondido en la pantalla anterior (y no perder tiempo con cajeros que no sirven o ser robado), podrá jugar su suerte en la ruleta rusa del moto-taxi. Sólo para gamers hard-core. Esto es un todo o nada. En la versión “with the lluvia”, moto-taxi se convierte en Mario Cart: Gamer deberá controlar su vehículo y deslizarse entre carros, bicicletas, señoras embarazadas y fiscales. No recomendado.

3ra parte: Crackero challenge
Atención, gamers: Al llegar al puente entre el Rosal-Las Mercedes, se enfrentarán al primer big boss del juego. Dependiendo de su desempeño en las etapas anteriores, el video-juego generará tres oponentes: Crackero borracho arrebatado (dificultad: fácil), crackero con palo (dificultad: media), crackero escupe cuchillos (dificultad: avanzado). Utilice los controles arriba-abajo, izquierda-derecha para esquivar a Crackero y los botones “A” y “B” para contratacar. Cuando vea una estrella titilando en la parte superior de la pantalla, pise “turbo” y podrá correr hasta el final del túnel.

Final: mamita bonus
De llegar aquí con su contador de vidas intacto, venezuelan gamer accederá a la pantalla de recompensa. Brinque por todas las Mercedes como Mario bros. comiendo champiñones, alimentándose de mamitas ricas. Cuidado con la operada, una trampa que lanza chorros de silicona y puede dejarte ciego por un rato. Utilice los controles para escoger el piropo adecuado según la mamacita reaguettonera de la acera respectiva. Apriete “x” para esquivar los bofetones.

Manden sus críticas y recomendaciones al genial Steve Jobbs venezolano, que si bien no inventó el juego lo ha perfeccionado:
R_Rodriguez_Chacín@aporrea.org

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Chispeante, burbujeante, como gotas de aceite caliente untado sobre su espalda. Así se sentía su cuerpo, violado, en efervescencia pura y sangrienta. 

Nada cruzaba sus pensamientos ni nadie tangible se posaba delante de él, era como un padre que jugaba con los genitales de su niña. La Iglesia siempre se ha caracterizado no precisamente por ser un despojo de virtudes y amores que se sienten en el aire, sino por esconder detrás de miles y burocráticas cortinas de humo, grandes horrores, torturas, bofetadas y violaciones, violaciones contra sus principios y en contra de una hipocresía marginal que se acumula con el pasar de los años. 

Hoy se sentía más conectado que nunca con su Dios de las alturas, la mañana estaba bastante fresca y ya se había dado un ducha caliente para alivianar las tensiones de la noche anterior, y lo había logrado. 

Pan fresco con mermelada y tostadas de mantequilla. Jugo de naranja campestre. Desayuno listo y sotana con interiores ajustados al cuerpo. Queso en abundancia. Ancianas exaltadas en las afueras por oír el mismo discurso que se repite al ritmo del “Ave María” y las propias culpas. Niños en sus casas ofreciéndoles gracias a su Dios, postrados sobre sus camas por comenzar una nueva faena de trabajo en las pampas. 

Noche anterior. Él estaba allí, con sus interminables charlas de pecados asfixiantes, con un grupo de 5 u 8 impúberes santificados, tristes y aburridos. 4 o 7 se marcharon a donde sus madres, padres o casas de latón. Sebas no se retiró esa noche con la suerte a cuestas porque el Padre Gregorio, de contextura adiposa y decrepita, le ofreció morada y sabanas calientes con leche y galleticas. 

La Basílica estaba perfectamente limpia porque las hermanas de la Congregación del Carmen habían dado limpieza hace unos días a todo el lugar para que Don Gregorio estuviese placentero, como todo representante de Benedicto XVI debe estar en la Tierra. 

El frío se colaba por las ventanas adornadas de margaritas, sin embargo Sebas se sentía más cómodo que cualquier otra noche, mejor, nunca había sentido tantas bendiciones sobre su cuerpo virginal. El Padre –y no aquel etéreo que está sobre nosotros- ya se había colocado sus pantuflas y yacía en su habitación de morocotas y rosarios, sin embargo su entrepierna se hallaba un tanto sobresaltada, no encontraba descanso a aquella muestra tan visible de pecado y lujuria. A través de sus pensamientos se colaban años y años de seminarista, de un pene atado a una manta negra y a las flagelaciones. 

Su respiración se sentía putrefactamente entrecortada y sus latidos aumentaban con el crujir de la manija del pequeño cuarto. Y allí se encontaraba él, sólo, intacto, en otro mundo. Exaltado, nervioso, en compañía de un olor a ratas muertas. 

Sebastián también estaba en otro lugar, en un mundo de juegos infatiles y besos mojados. Sus ojos cerrados y su piel fría y sudorosa no daban cuenta de que Gregorio –como el viento- se estaba colando entre su cuerpo y el cobertor.

Como todo cura que se respete impartió sus oraciones nocturnas a Joseph Ratzinger y a sabiendas de tan cruel situación ató su cuerpo de golpes para no continuar, sin embargo la carne se le hacía irresistible y no contuvo más. 

Se despertó. Se sorprendió. Lloró. Gritó. Golpeó. Amedrentó y yació. Sebastián no pudo con una vejez que todavía conservaba una fuerza divina y con los dedos de Gregorio en su culo tembloroso clamó a Jehová por ayuda como todas las noches lo hacía, pero esta vez fue igual y todo continuó tan bizarramente sádico. 

Sudor. Gotas. Deseo. Pecado. Odio. Sexo y el Padre Gregorio. Atrás y adelante. Cuerpos desnudos. Lágrimas. Candor y Sebastián. 
Lo violó, se violó. 

Pan fresco con mermelada y tostadas de mantequilla. Jugo de naranja campestre. Desayuno listo y sotana con interiores ajustados al cuerpo. Queso en abundancia. Ancianas exaltadas en las afueras por oír el mismo discurso que se repite al ritmo del “Ave María” y las propias culpas. Niños en sus casas ofreciéndole gracias a su Dios, postrados sobre sus camas por comenzar una nueva faena de trabajo en las pampas. 

Sebastián lejos de allí, en las calles, con un cuerpo dilatado, penetrado y sucio, de hambre y rencor. 

Un mundo que sigue sus movimientos de translación y rotación, un padre que acaba de tomar una ducha para emprender un día de olor primaveral y la ceremonia matutina en honor al Dios de las alturas. 

© Junior Rojas, 2008, casi todos los derechos reservados. 

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            Desde su temprana infancia, Camilo Artós había tenido experiencias traumáticas. Reveses del destino, si así se prefiere llamarlas, y, de hecho, así él las consideraba. Muy niño era cuando murieron sus abuelos: cáncer. Muy joven fuera cuando murió su padre: cáncer. Poco más adulto sería cuando su madre enfermó –no hace falta decir de qué– y agonizó grotescamente durante casi una década, con una vida elástica que era mensualmente estirada por los médicos. Cuando finalmente murió toda su ascendencia, a Camilo no le quedó ninguna duda de que el cáncer sería la causa de su muerte, y se convenció inmediatamente de que la peor manera de morir sería en el delirio agónico de los tumores, acostado en una cama tal como falleció su madre. En ese momento crítico de su vida, en el cual quedaba solo en el mundo, a cargo de una cuantiosa herencia y una empresa multimillonaria, decidió que no habría instante de su existencia que no haya sido cuidadosamente construido por él mismo.

            La organización de su vida fue hecha con años de previsión: cada ascenso, cada mudanza, cada hijo (que acertadamente adivinó como dos varones y una hembra), e incluso cada matrimonio estaban marcados en su programador vital. Si se acercaba la fecha de algún suceso, don Camilo no se impacientaba pues sabía que no debía acelerar nada, tan sólo esperaba a que llegara el momento adecuado para asegurar la ocurrencia de sus planes. Nunca se vio alguno de ellos frustrado ni coartado. Nunca recibió sorpresas de ningún tipo.

            Subió por los escalones de su empresa tal como lo había planeado, hasta que finalmente se convirtió en su presidente. Antes de alcanzar tan codiciado rango, ya se había casado una vez con una mujer joven que, por desgracia, había muerto a los escasos años de casados. La causa de su muerte no fue para Artós sino una confirmación de que sus planes estaban bien encaminados, sin siquiera poder contestarse él mismo el misterio que lo llevó a predecir certeramente que su primera esposa moriría joven, y de cáncer.

            Ella le había dado su primer hijo, Federico, quien moriría trágicamente veintitrés años después. De nuevo, don Camilo fue incapaz de explicarse cómo había sido posible haber sabido eso con tanto tiempo de anterioridad. Podría decirse incluso que el único suceso que lo sorprendía era, precisamente, uno sólo: que se cumplieran con puntualidad única cada uno de los hechos que había previsto en sus planes, ya que, cuando los organizó, honestamente no creía que pudieran ser tan exactos.

            Su segunda esposa se llamaba Sandra, y lo acompañaría hasta su último suspiro. Con el nacimiento de su segundo hijo (José) concibió la idea de que alguien estaba burlándose caricaturescamente de su planificación. Por primera y única vez en su vida estuvo convencido de que, efectivamente, existía un destino, pero que él no era capaz de controlarlo, más bien, el destino había decidido controlarlo a él, riéndose de sus patéticos intentos de dominar a su propia vida. Desechó esos pensamientos cuando nació su hija, Ana, momento que le aseguró a don Camilo que él, y sólo él, estaba en total manejo de su destino.

            Ya sabía que luego del nacimiento de Ana moriría su primogénito. Estaba consciente de que, luego de eso, tendría que hacer una reducción de personal en la empresa debido a una impredecible crisis nacional. No fue sorpresa para él cuando una nueva emergencia económica, esta vez mundial, azotara su trabajo de toda la vida, obligándolo a empezar desde cero, cosa que no fue excesivamente difícil, pues ya todo eso había sido previsto por él.

            Presenció con una sonrisa estoica la graduación de José, así como también su primer día como empleado en la industria familiar. Asistió sin revisar sus planes –ya que los años le habían grabado su ingeniería de la vida en la cabeza– a la rimbombante boda de Ana y un tal nuevo rico llamado Mario. También estuvo en la boda de su otro hijo y, casualmente, en la graduación de su otra hija. Nada en su vida estuvo fuera de su programa. Veía a su existencia pasar como si estuviera sentado en un teatro, admirando una zarzuela prácticamente eterna, llena de nombres familiares, situaciones curiosas y momentos fuertes. No se trataba de una obra nueva, de esas de vanguardia, su libreto había sido escrito décadas antes, incluso siglos, pero don Camilo no se sentía como el escritor sino como un simple editor, alguien que había desempolvado ese guión y lo había reparado para ser puesto en escena. Más incluso, ya ni siquiera sabía si había tenido algo que ver con esa obra de teatro: ya no era más que parte de una audiencia silenciosa, un mero espectador más; pero volteaba y no había nadie más en la sala, su familia y amigos estaban montados en la tarima, actuando jovialmente, él estaba solo alejado de la escena, sentado en el fondo oscuro del teatro, aplaudiendo cuando así lo deseaba, pero sin estar seguro si el ruido llegaba al escenario. La llegada de la vejez lo alejó aún más de las tablas, esta vez los actores ni siquiera se percataban que estaban ante un público, por muy pequeño que fuera.

            Al alcanzar a la chochera, se le cobró peaje a don Camilo. Una pierna rota le fue sustituida por un bastón, algo que había sido previsto, tal como recordó Artós cuando, mientras se reponía del golpe, había estado revisando su programa vital. Se dio cuenta de que la fecha de su muerte estaba más cerca de lo que podía acordarse, y que no se había comenzado a organizar como lo requería un suceso tan importante y con tantas repercusiones como lo es la muerte de la cabeza de la familia y del jefe de una prestigiosa empresa multinacional.

            Cuando aprendió a moverse correctamente con un bastón y saludó por primera vez a sus dos nietos, Alberto y Gonzalo, hijos de Ana, decidió reunirse con sus abogados. Redactó el primer borrador de su testamento, dejándole la mitad del dinero y la empresa a José y a su nueva esposa –de quien nunca pudo aprenderse bien el nombre–, la otra mitad del dinero y la casa a Ana, y las joyas y la casa de verano a su mujer, Sandra. Se contentó con esta repartición, que beneficiaba a todos, y se jubiló.

            Luego de esto, tal como lo había planeado, le diagnosticaron la enfermedad que tanto temió cuando era niño. El doctor se quedó pasmado cuando vio la tranquilidad y la firmeza con que don Camilo había tomado la noticia, teniendo la experiencia de que ninguno de sus pacientes se ponía tan alegre después de escucharla. Sí, alegre; una sonrisa se le dibujó a Artós en la cara luego de los exámenes médicos. Pero el doctor nunca sería capaz de distinguir una sonrisa de satisfacción (que era la única que conocía) de una de auténtica felicidad, pues era ese sentimiento el que atravesaba a don Camilo desde las canas de su escasa cabellera hasta las arrugas más viejas de sus pies. Era felicidad el único nombre que pudo darle a ese sentimiento de complacencia al haber cumplido con todo lo que esperaba de la vida, haber visto todos los paisajes que había querido ver, visitado todos los lugares que había querido visitar. Pero ya para este momento, en que la cercanía de la muerte le da a su víctima una inigualable capacidad de razonamiento, don Camilo dedujo que el querer en sí mismo no había sido otra cosa a lo largo de su existencia más que un simple esperar. La misma espera que uno siente cuando ve «Romeo y Julieta», impaciente por observar el final; luego, una espera teatral.

            Acostado en su cama, solo entre las sábanas, con Sandra al lado sirviéndole de beber y reprochándole no haberse decidido a tomar la quimo, pidió una reunión con sus abogados. Cambió por completo su testamento, no dejándole nada a nadie excepto a sus nietos, quienes heredarían toda su fortuna. No le preocupaba lo que pudieran sentir los demás: José ya estaba a punto de convertirse en el nuevo director de la empresa, Sandra terminaría quedándose con las joyas y la casa de campo de cualquier manera, Alberto y Gonzalo no tendrían problemas en darle a sus padres parte del dinero y la casa en donde vivían. Así rió de esa misma auténtica felicidad por última vez don Camilo, ordenando el epitafio exacto que se pondría en su lápida, no carente de humor («Camilo Artós. Esposo, padre y abuelo. Planeó todo, hasta el lugar exacto de esta parcela»).

            Cuando finalmente había llegado el día de su muerte –que había elegido el mismo día de su nacimiento, y perdónenle la ironía– sintió impaciencia por primera vez. La muerte era algo nuevo, de la que no podía imaginarse nada; por primera vez estaba seguro de que se sentiría sorprendido, y eso lo alegraba y lo ponía ansioso. Sus parientes nunca lo recordarían más feliz y activo que ese día. No cansado del sarcasmo con que había elegido la fecha, también con el mismo había elegido la hora: la una y cuarto de la tarde, la hora precisa de su nacimiento. Faltando quince minutos, don Camilo sacó de su almohada una pequeña pastilla de un veneno que le habían prometido que mataba al instante. Se quedó mirándola, maravillado de sus posibles efectos, observando el breve interludio que precedía al acto más importante de la obra de su vida, viéndolo reflejarse en la blancura hospitalaria de la píldora.

            Quedaban ya cinco minutos cuando soltó inesperadamente la pastilla, dejándola caer en las sábanas. A don Camilo le temblaban las manos y ese mismo espasmo le recorría todo el cuerpo. Sentía cómo su pierna se rompía una y otra vez por el dolor fatal; estaba padeciendo la agonía que tanto había temido sufrir desde pequeño. La convulsión mortuoria no le dejaba utilizar la mente, valerse de su razón anciana, a excepción de un solo pensamiento que no había estado planeado, y era que el destino le había ganado a la hora de la verdad, rompiendo sus planes y haciendo con su cuerpo lo que le viniera en gana. La una y catorce tenía el reloj del médico que entraba estrepitosamente para salvar a su paciente, pero el último aliento llegó antes que sus drogas… y cinco, y cuatro, y tres, y dos, y uno.

Animus a Nemo,

7 de julio de 2008

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Una de mis bandas favoritas dentro del american hard core. La conocí gracias a Modo en la era del Caracazo, cuando su polémico sonido comenzaba a traspasar fronteras, hasta llegar al tercer mundo como emblema de la anarquía antisistema y antitodo, aunque la formación original siempre cargará con el estigma de ser considerada un vulgar caballo de Troya del fascismo yanqui de los bajos fondos. Pero nada menos cierto.

En realidad, Agnostic Front, como su nombre lo indica, es un grupo de contracultura influido por las ideas nihilistas de la movida underground del Lower East Side de Nueva York, a principios de los ochenta, después de la decadencia y la asimilación del punk británico por parte de la industria anglosajona.

De hecho, la música de Agnostic Front busca representar el descontento de la juventud desclasada y marginada hacia las ideas conservadoras de Reagan, en la misma línea de las míticas Black Flag, Bad Brains, Minor Threat, SS Decontrol y la famosa the Dead Kennedys.

Sin embargo, la calculada ambigüedad de algunos de sus temas despiertan la sospecha y la desconfianza de la crítica, al extremo de llegar a catalogarlos como himnos apropiados para cantar en reuniones clandestinas de cabezas rapadas. A partir de ahí y sin querer queriendo, Agnostic Front será estigmatizada y condenada al cajón de sastre de la música skinhead.

No obstante, la salida a la calle de su obra maestra, Cause For Alarm, demostrará el error de percepción de la prensa especializada y el auténtico trasfondo conceptual de la banda, a menudo comparado con la filosofía de Nietzche, quien también y no por casualidad carga con el estigma de ser considerado el germen de la ideología de Hitler, aunque nada más alejado de la verdad.

En cualquier caso y más allá de los malentendidos, el contenido de Cause For Alarm habla y se defiende por sí mismo, a pesar de las interpretaciones equivocadas del reporterismo mainstream.

Técnicamente, los chirriantes acordes de la placa recogen no sólo el sello distintivo de Agnostic, sino además ponen en evidencia su rápida madurez de forma y estilo.

En cuanto al apartado sonoro, se descubre y se nota la obvia herencia de Los Ramones y Sex Pistols, pero reinventados y acelerados por la sensibilidad trash en boga por los Estados Unidos, casi en paralelo a la irrupción comercial de Metallica en la costa oeste.

No en balde, Cause For Alarm fue producido por la gente de Combat Records, reconocida por apoyar a grupos emergentes de metal veloz como Megadeth, sin olvidar a otros gigantes de la escena punk como la memorable The Exploited, la creadora de la controvertida y brillante Fuck The USA*.

Finalmente a nivel de líricas explícitas, las canciones de Cause For Alarm vuelven a comprobar la habilidad de Agnostic Front para hacer denuncia de la descomposición política y social de su época deshumanizada, desde la trinchera de la ironía, el sarcasmo, el doble sentido, la amoralidad y el terrorismo panfletario. Por eso, sigue siendo incomprendida e injustamente calificada de neonazi. Por tal motivo, le rendimos tributo el día de hoy. A continuación, publicamos la incómoda letra de “Eliminator” de Cause For Alarm, para que usted extraiga sus propias conclusiones.

Killing’s my business and business is fine
Money’s my interest, life isn’t kind
You know you can run but there’s nowhere to hide
Payback’s a bitch boy
Now you’re gonna die
Hand me the contract, I’ve got no remorse
The more cash I get, the bloodier the worst
You claimed their way out, life is up in flames
How ’bout doin’ it my way
Beheaded or slain

Hanging or lethal injection
Gas chamber - take a last breath
Firing squad, electrocute, we’ll execute!
More than one face of death
Kill ‘em all, let God sort ‘em out
A soldier of fortune, I’ll wipe ‘em all out
Having no home, I have no shame
I’ll take a life, another victim in pain
Try turning the tables or make it a frame
You can’t snuff me out
Because you’re my game
You know you’re my target
Your time stands still
But no job’s too tough

I love to Kill

*Y ahora como Bonus Track, la letra completa de Fuck The USA :

There really is nothing nice about USA
You go to the hospital you have to pay
The dollar is the language that they all speak
they don’t really bother about the radiation leak

FUCK THE USA

They keep their secrets undercover
the rich don’t bother about those that suffer
this ain’t the land of milk and honey
cause all they want is money money money

FUCK THE USA

Nuclear bombs are fuck all new
you’d better start running when they drop on you
run into a shelter, play hide and seek
cause when you die your body reeks

FUCK THE USA

There really is nothing nice about USA
You go to the hospital you have to pay
The dollar is the language that they all speak
they don’t really bother about the radiation leak

FUCK THE USA

Video de Fuck The USA:

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Finales de los 80s. Mario es guionista de telenovelas, su hija Gabriela y su mejor amiga, Karla, son adolescentes en pleno despertar de su sexualidad. Un día, Mario tiene un encuentro fortuito con Karla. Se sientan en un café. Mientras ella se come un helado, Mario se percata de un “repentino pedacito de helado que se derretía en el borde de sus labios.”

Lolita es un documento tan magistral que el sólo intento de circunnavegar el tema de la atracción entre un adulto y una adolescente es temerario. No puedo sino imaginar el gran esfuerzo que tuvo que hacer Héctor para no caer en Nabokov. Afortunadamente, las dos novelas se parecen sólo en la edad de sus protagonistas. Héctor tiene a su favor otra óptica, las mujeres del Caribe y Caracas, “una ciudad cuya última amabilidad la ofrecen sus 27 grados de temperatura ambiente”, “…una ciudad sin estrellas ni pensamientos inocentes. Ni libélulas que aleteen entre extintos cañaverales. Ni complicadas esperanzas”.

La Huella es un brutal apólogo (en todo el sentido de ambas palabras) sobre el “veneno que es mejor no probar”, poblada de aforismos brillantes, chamánicos, forjados evidentemente a punta de consumo literario y calle:

Cuando ser célebre es el único mérito, eres de la farándula.

La verdadera belleza de la mujer está en lo que promete, Miguel. Así no lo entregue nunca. Así lo postergue hasta el punto en el que ya no valga la pena. Y no hay promesa más persuasiva, más esperanzadora, que la que hace con la mirada. La mirada delata el tamaño de su promesa.

el sexo es un placer en tanto ofrece vértigo, riesgo.

… y goma de borrar. Goma de borrar es una poderosísima imagen. Una analogía perfecta, climácica, que hace valer todo el recorrido.

Las reseñas que he leído sustentan la teoría de que La Huella es una novela erótica. Aunque vende, esa afirmación no es del todo exacta. Tampoco se trata de una exploración sobre la raison d’être de las pinturas rupestres, los límites de la tentación, o el poder infinito de las mujeres. Lo que si es exacto es que la ilación de situaciones, la precisa colocación de ciertos capítulos clave, y esas sentencias lapidarias, hacen de La Huella del Bisonte la mejor novela que he leído en el último año.

Entrevista en Letralia

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Sarko de la mano de Ingrid. Ingrid de la mano de Santos. Santos de la mano de Uribe. Y al final todos contentos.

En paralelo, Chavez aplaude por hipocresía, por no quedar fuera de la foto. Pero ya es muy tarde, ya le sacaron el cuerpo. No hay caso. Igual puede participar, de lejitos, del gran espectáculo de la hipocresía internacional.

Sarko es hipócrita. Ingrid es hipócrita. Uribe siempre es hipócrita y descarado. Hugo es el colmo de la hipocresía. Santos es un perro de la guerra, un forajido de callejón, pero tiene buena prensa. La mediática celebra y adora el cinismo de Santos, el asesino número dos de las fuerzas armadas de Colombia, porque el primero es Uribito, el genocida narcotraficante. El presidente de la oscuridad en América Latina, asociado a la mafia paramilitar y al terrorismo amparado por el departamento de estado, junto con sus mercenarios del Plan Colombia. 

Vivimos un tiempo feo, horrendo, inadmisible. Europa retrocede a la época del germen fascista, del nacimiento de la Gestapo, del alumbramiento del Franquismo.

Europa rescata ideas superadas y se asume como víctima. Europa se siente víctima del terrorismo, víctima de la inmigración, víctima del tercer mundo. Pero de nuevo, es pura hipocresía, pura pose. En realidad, Europa goza y promueve el atropello del tercer mundo, como siempre. Europa goza al humillar al tercer mundo.

Europa vive de la explotación del tercer mundo. Europa se forjó en la explotación y en la humillación del tercer mundo. Europa es un continente envilecido, embrutecido y enfermo. Francia es un país enfermo gobernado por un presidente enfermo, cuyas políticas son tan enfermizas como las de Bush. La ley de retorno es apenas un síntoma de la curiosa enfermedad europea.

La ley de retorno debe ser sencillamente derogada, abolida y boicoteada. La ley de retorno viola los principios básicos de la carta internacional de los derechos humanos. La ley de retorno pisotea los tres colores de la bandera francesa: igualdad , fraternidad y libertad. Y el público embrutecido por la propaganda negra, aplaude y justifica la medida. El público embrutecido del continente enfermo exige y demanda la aplicación de la medida, así como el embrutecido pueblo alemán aceptó la solución final de Hitler contra la comunidad Judía. Hoy Europa reinstaura sus campos de concentración para encerrar a los indeseables del tercer mundo. Hoy Europa vuelve a ser neonazi por completo.

La ley de retorno resucita el espíritu del horror eugenésico, al darle rango constitucional a la discriminación social, a la xenofobia, a la intolerancia y al racismo, bajo el esquema surafricano del Apartheid. Un Apartheid disfrazado de campaña de filantropía, por parte de las autoridades competentes del continente enfermo. Autoridades, por cierto, con muy mala memoria.

A las autoridades competentes del continente enfermo se les olvidan muchas cosas. Por ejemplo, Europa prácticamente saqueó al tercer mundo, se adueñó del tercer mundo, y encima contó con el apoyo del ingenuo tercer mundo durante el siglo XX, cuando oleadas de inmigrantes llenaron las costas del caribe y Suramérica en busca del dorado de la supervivencia. Y aquí los tratamos bien, les dimos cobijo, y los aceptamos como iguales, tras ser desvalijados por sus ancestros en la colonia. No obstante, Europa ahora prefiere hacer borrón y cuenta nueva, para avanzar en sus planes demagógicos diseñados por la derecha tecnocrática y neoliberal.

Por eso resulta exageradamente absurda la imagen de Sarko al lado de Ingrid. Aun así, la imagen es bien representativa de la doble moral de Sarko y sus secuaces. Sarko habla de los derechos de humanos, del terrorismo de la FARC, de las torturas de la FARC, de los atropellos de la FARC, pero calla y se hace la vista gorda ante las torturas, los atropellos y los atentados terroristas de las primeras potencias en el tercer mundo. Sarko no dice nada sobre Guantánamo, sobre Abu Grahib, sobre la genocida invasión de Bagdad, pero sí se rasga las vestiduras al referirse a las FARC. Sarko tampoco dice nada del salvaje de Uribe, sindicado de cometer tantas atrocidades como su gemelo bizarro, el Mono Jojoy.

Lo mismo pasa con la hipócrita de Ingrid, la Juana de Arco del mes, la beata del año, la candidata al Nóbel de la Paz, ese premio rastrero ganado por hipócritas como Kisinger.

Seguramente, la hipocresía de Ingrid será justamente recompensada con el Nóbel. Ingrid se hizo famosa en los ochenta por denunciar y echar pestes de la enlodada política colombiana en la época de Pastrana, donde Uribe daba sus primeros pasos al servicio del narcoestado gobernado por el dictador de Medellín, Pablo Escobar Gaviria.

Ingrid era enemiga del narcoestado defendido por la familia de  Uribe y el partido de Pastrana. Ingrid no compartía el belicismo paramilitar auspiciado por el narcoestado defendido por la familia Uribe. Pero ahora sucede todo lo contrario. Ahora Ingrid se suma con emoción y total entrega al 93 % de apoyo nacional a la gestión corrupta y descompuesta de Álvaro Uribe. Una vulgar tapadera de los agresivos planes de la oligarquía Bogotana en su proyecto de reafirmación elitista, cuyos beneficiarios son los ricos en detrimento de los pobres, de los asalariados y de los obreros. Todo bajo la excusa y el pretexto de la lucha contra la subversión. Así, Uribe y su camarilla de bandidos imponen sus doctrinas de Shock al adormecido pueblo colombiano,manipulado por los laboratorios de información.

En resumen, la guerrilla existe y se consolida para, paradójicamente, afianzar a la derecha terrorista en el poder. Ambas son, en última instancia, las dos caras de la misma moneda, con la cual nos pretenden lavar el cerebro a fin de hacernos cómplices de sus repugnantes agendas.     

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En efecto lo es, y a la vez no.

Admito que Parachutes es excelente y A Rush of Blood to the Head fue el mejor disco de U2 en diez años. Admito que al principio me incomodaba un poco –pero no tanto– que Chris Martin imitara tan descaradamente los estilos de Bono y Thom Yorke. Aspirar a los estadios de U2 y la experimentación intimista de Radiohead no tiene nada de malo. Pero las pruebas han demostrado que Chris Martin, con esa mezcla rara de pretensiones artísticas, juegos de palabras y coros fáciles, nunca tendrá el filo de sus ídolos. Su propuesta es débil por naturaleza.

A pesar de lo que dije más de una vez, durante la mayor parte de esta década le di un poco de cuerda a la idea de que Coldplay era un grupo honesto. Inclusive, dejé de llamarlos Coldpussy. Hasta ahora.

Desde la portada:
La Liberte guidant le peuple, de Delacroix, con un Viva La Vida superpuesto a brochazos, me hace pensar en 1)el Che Guevara, emblema de la ignorancia europea, y 2)en ese aborto discográfico que fue Rhythms Del Mundo, donde por cierto destacó –oh sorpresa– Clocks, de Coldpussy, en versión pianomerengue.

Además, estoy casi absolutamente seguro de que lo que querían decir era Live the life y no Horray for life, o Long Live Life (que es la traducción correcta). Así que tres puntos negativos, sin abrir la caja.

Con respecto al contenido –y desafiando toda esperanza de redención– Coldpussy regresa para ofrecerle al mundo un poco más de U2 y Radiohead, normalizado, procesado, digerido, defecado y empaquetado para las masas.

Perdonen que insista, pero me gusta pensar que cuando vas por tu cuarto disco ya has logrado tu sonido. O al menos no intentas venderte como algo más que una banda tributo. Con cualquier otro cuarto disco, la siguiente lista sería más difícil de compilar:

42:

No se si ven el patrón. El disco se llama Viva la Vida y Death and all his friends. Desde el título los tipos nos recomiendan qué escuchar si no queremos pasar un rato de amargura, sangrando por las orejas y lamentándonos por la muerte del rock.

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AL FINAL DEL CREPUSCULO

Al instante del desenfreno,
observo tus pupilas,
aún más que en el alba.
Y solo las veo reposar
como al final del crepúsculo,
hasta que depositas
tus preciosas gemas vertiginosas
dentro de mí sagrado aposento
de tu heredad.

VIENTO

En solitario lecho que habito,

implacable encuentro con el viento

dejando solo tu recuerdo

que salpica de tristeza

al cuerpo inocente entre tus manos,

mientras este leve viento

acaricia sin permiso, lo que te pertenece.

Anhelamos… nuestra inmensidad

cuando la irrumpe el viento,

en sublime placer al ínfimo contacto

pues ese soplo de vida

cualquier fuego aviva

induciendo la explosión al alba

absorbiéndolo todo

en donde ni el viento

puede habitar.

MEMORIAS

Se conservan palabras anidadas

en el más intangible de los sueños…

los recuerdos revolotean

entre dedos clavados en el pecho;

desangrando las teclas del piano

y así

inmortalizar el alma de los hombres.

RÉQUIEM

Sobrevivo sin horizonte,
sin complejas formas de vida
y sin la más tierna postura de mujer.

Sigo siendo ínfima ante el viento
y ante tu enigmática mirada
como el primer día.

Combato al tiempo
con inútiles anhelos de juventud.
Mientras la piel teje
los ramalazos de la soledad,
el alma interpreta
el más profundo Réquiem,
las cuerdas se encargan de
llevar el dulce de la muerte,
los vientos anuncian
el inevitable deceso.

Y aun sin que una voz intervenga
se perciben los más lúgubres lamentos del alma.

CAUTIVERIO
A EMMANUEL

(El 1er niño nacido
en cautiverio Colombia)

Colmada de vestigios de verdad,
ausente para los sedientos de justicia
la luna Contagia de tristeza al sol,
Lagrimear de estrellas
Cielos que recubren
Bajo terciopelos de topacio
Frías e Inescrutables tumbas
Olvidadas en la soledad de la selva
Lúgubres lechos, impunes refugios
De almas devastadas, mutiladas
Por un descomunal arrebato de libertad
Ríos de impunidad,
Donde flotan nombres y cuerpos
Que saben a años de espera
Sueños e ilusiones
De un país que se contempla
En un juego sin tregua ni fin

¡Oh esperanza!
Que dibujas tus contornos
En falsos pactos de alta ralea
Permítenos no borrar tu nombre
No acabar nuestros anhelos de verte
Por primera vez
¡Oh EMANNUEL!
Y olvidar tu cautiverio.

SENTENCIA

Aterrador escenario
espigado por la eternidad,
aloja allí a las innumerables almas
sin destino y sin fin;
confundidas, atrapadas
con incesante codicia
y abrumadora desesperación,
albergando en sus recuerdos
pavorosos episodios
de la morada terrenal,
confrontándose entre los confines
del odio y la locura,
la fascinación y la espera
del acto de redención
inexistente en el crepúsculo,
transitado ya, sin retorno,
mientras Sílfide, dulce ninfa,
recorre los bosques con nimia
sutileza y premeditada indolencia,
ignorando
el dulce susurro de sus condenados,
que por un fuego abrasador
son consumidos una y otra vez.
Y así, la sentencia eterna:
lo que en vida no se logra destruir,
después de la muerte esgrime
para la dulce satisfacción
de sus más temidos verdugos.

LÚGUBRES MONÓLOGOS DE MUJER

Silencio y tiempo
lentamente te devoran.
Piedad es ausente ante tus manos,
entre tormentas,
aminorando tú ser,
lúgubres monólogos
son arrojados al viento,
completando el inescrutable
círculo de tu existencia.

Lecho marital cómplice
patíbulo del verdugo,
idealizado a tu compañía.

Despojada de ternura,
a ignominioso objeto reducida,
concibiendo este silencio,
más cálido que susurros punzantes
vividos ante el umbral constante,
contemplando la caída del crepúsculo
intentando resarcir
el hasta ahora…
sufrimiento al filo del ocaso.

TUS COLUMNAS

Con fuerza, abrazo tus columnas,
donde solías apoyarte
y darle paso al hervor de las pieles,
reposó nuestro cielo sobre ellas
y hoy el infierno
las desgasta entre cristales
donados por la desesperación.

Entre distancias infinitas
se encuentra la oscuridad de la luz,
analogía presente entre lo que soy
y lo que tu vez de mi.

Y mientras la mente divaga
entre el pasado y el presente
se suprime el futuro.

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alcanzó su fase final y pronto

Alaska. También cuestionó

asesinatos y violaciones

de los planes atómicos de

testigos del despertar de las

que se deben tomar medidas

pronto, amenazó.

Y llamó a Estados Unidos

la veracidad del Holocausto;

desaparición de Israel y su

terrorista y criminal

potencia satánica.

Teherán. El presidente de

hizo comentarios similares

en Israel, y respondieron que

Irán, Mahmud Ahmadinejad,

en Gobierno de Estados

dijo que esperaba las

amenazas y descalificaciones

de un historial de 60 años

o reubicación en Europa

para detener el desarrollo

que será borrado del mapa,

en 2005 el gobernante persa.

Damos gracias a Dios por ser

naciones. Si nosotros estamos

será borrado del mapa.

Régimen sionista, que tiene

unidos, el colapso de

Irán.

Será borrado del mapa

de Ahmadinejad.

Reiteró que Israel pronto,

Unidos, también las rechazó.

Animus a Nemo,

1º de julio de 2008.

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